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In Memory of Painting 2 - Rita Vitorelli (Garage)

6.5. - 11.7.2009

Webpage In Memory of Painting

 

South Park, 2007, Motor oil on fabrics, 150 x 200 cm See english text below "Zur Arbeit von Rita Vitorelli" von Daniel Baumann In den letzten 25 Jahren gab es zwei größere Wellen figurativer expressiver Malerei. Beide waren Reaktionen auf ritualisierte Distanz: 1980 richtete sie sich gegen die allgegenwärtige Konzeptkunst und ihre Derivate, seit 2000 ist sie gegen die alles durchdringende Oberflächlichkeit und Ironie gerichtet. In beiden Fällen reagierte der Markt begeistert, denn die Nachfrage nach gemalten Bildern für die Wand ist ungebrochen. Was gefällt dem gehobenen Mittelstand und der Elite besser als figurative expressive Malerei? Cooles Design. Zusammen bilden sie die Basis heutiger Vorstellung zeitgenössischer Lebensführung. Die Arbeit von Rita Vitorelli steht in diesem Kontext. Sie widmet sich der Rhetorik einer seit hundert Jahren wiederkehrenden Malpraxis und zielt auf Klärung, Absage und Rückeroberung. Es beginnt mit der Wahl des bedeutungslosen Motivs: knospende Äste, verlassene Innenräume oder Jugendzimmer sind Gemeinplätze, deren spezifische Bedeutung sich aufgelöst hat, womit jegliche Interpretation möglich wird. Mit Bleistift wird das Motiv skizzenhaft auf die Leinwand übertragen und mittels wässerigen sich verlaufenden Farben stellenweise verdoppelt. Vitorelli nutzt die malerische Geste, wie sie der Expressionismus und seine Nachfolger etabliert haben, und entleert sie. Bis heute steht diese Geste für Spontaneität und Authentizität, noch immer sind Künstler und Publikum davon überzeugt, dass sie Atmosphäre und Bedeutung ausdrückt. Dabei ist sie in den meisten Fällen nur Verpackung und das Resultat von Konvention, Tradition und Marktanpassung. Vitorelli verweigert dem Motiv, dem Strich, der Farbe und dem Duktus die Möglichkeit zur Suggestion. Sie dienen einzig dazu, die Leinwand zu organisieren und diesen Prozess offen darzulegen. Sonst nichts? Ja doch, Klärung und Rückeroberung einer Sprache, Autonomie für Material und Methode, Suche nach formaler Brillanz an der Grenze zum Nichts und federleichte Wut. "On the Work of Rita Vitorelli" by Daniel Baumann In the past 25 years there have been two big waves of figurative expressive painting. Both were reactions to ritualized distance: in 1980 it opposed the ubiquitous forms of Conceptual Art and their derivatives; since 2000 it has been opposing the current all-penetrating superficiality and irony. In both cases the market responds with enthusiasm, for the demand for painted pictures for the wall is constant. What pleases the upper middle class and the elite more than figurative expressive painting? Cool design. Together they form the basis of today’s idea of contemporary lifestyle. The work of Rita Vitorelli is to be seen in this context. She devotes herself to the rhetoric of a painting practice that has returned repeatedly over hundreds of years and aims at clarification, abstinence and recovery. It begins with the choice of the meaningless motif: branches in bud, abandoned interiors or young people’s rooms are platitudes whose specific meaning has been dissolved, so that any interpretation is possible. The motif is sketched on the canvas in pencil and doubled in places with watery, running paints. Vitorelli makes use of the painterly gesture established by Expressionism and its successors, and empties it out. To this day, this gesture represents spontaneity and authenticity. The public and artists are still convinced that it expresses atmosphere and significance. And yet, in most cases it is merely packaging and the result of convention, tradition and adaptation to the market. Vitorelli denies the motif, the brushstroke and the ductus the possibility of suggestiveness. They serve only to organize the canvas and to lay this process open. Nothing else? Oh, indeed: clarification and recovery of a language, autonomy for materials and methods, a search for formal brilliance on the verge of nothingness and anger as light as a feather.